Kinderland ist abgebrannt

Am Anfang stand die Vorstellung eines Panoptikums aus alten Puppen: skurrile Szenen, kleine Körper in seltsamen Kombinationen, vertraute Kindheitsobjekte in einer Umgebung, die nicht mehr unschuldig wirkt. Puppen, die sonst für Fürsorge, Spiel und Geborgenheit stehen, sollten in einen Zustand geraten, in dem sie etwas anderes erzählen. Etwas Gebrochenes. Etwas Verstörendes. Etwas, das unter der Oberfläche liegt.

Später kam der Gedanke hinzu, diesem Puppenkosmos einen radikalen Gegenspieler gegenüberzustellen: ein Domina-Studio als groteske Verstärkung, als Kontrastfläche, als Überzeichnung von Macht, Körper, Kontrolle und Inszenierung. Aus dem ursprünglichen Panoptikum wurde nach und nach ein Raum, in dem Kindheit und Erwachsenheit nicht mehr sauber voneinander zu trennen sind. Das scheinbar Harmlose traf auf das Theatralische, das Spielerische auf das Abgründige, das Private auf das Ausgestellte.

Die eigentlichen Planungen fanden zu einem großen Teil in meinem Kopf statt. Es gab keine vollständige Probe, keine testweise aufgebaute Version, keinen sicheren Abstand zum fertigen Werk. Erst einige Wochen vor der Messe entstand ein Plan auf Millimeterpapier. Vieles blieb bis zum Aufbau offen. Die Installation musste sich im Raum selbst behaupten, dort reagieren, dort wachsen.

Parallel dazu begann die Suche nach Material. Über Monate sammelte ich alte Spielsachen, Puppen, Kindheitsobjekte und persönliche Erinnerungsstücke. Ein Teil davon stammte aus meiner eigenen Kindheit. Andere Dinge kamen durch einen öffentlichen Aufruf hinzu. Menschen spendeten historisches Spielzeug, lasen von der geplanten Ausstellung und gaben etwas ab, das selbst einmal Teil eines Kinderzimmers gewesen war.

Nicht alles fand am Ende seinen Platz. Die rund 30 Quadratmeter waren schneller gefüllt, als ich gedacht hatte. Viele Objekte musste ich draußen lassen, obwohl sie in meiner Vorstellung zunächst dazugehört hatten.

Gerade dieses Weglassen wurde Teil des Prozesses. Denn „Kinderland ist abgebrannt“ war keine Sammlung von Dingen. Es war ein Zustand. Eine Verdichtung.

Der Aufbau auf der Discovery Art Fair wurde dadurch selbst zu einem entscheidenden Moment. Einen Tag früher als die anderen Aussteller durfte ich mit dem Aufbau beginnen. Schwarzer Teppich, schwarze Wände, die Toybox, die ersten Setzungen. Erst dort zeigte sich, wie viel Material der Raum wirklich tragen konnte. Erst dort entstand der letzte Feinschliff. Nicht im Atelier, nicht auf dem Papier, sondern direkt im Ausstellungsraum.

Ein Kinderland, das nicht einfach vergangen ist, sondern verbrannt. Ein Ort, der einmal Schutz versprach und später nur noch als Ruine sichtbar wird.

Für mich wurde diese Installation dadurch zu einer meiner persönlichsten Arbeiten. Gewalt, Missbrauch, Verlust, Verletzung und die dunklen Räume der Kindheit waren Themen, die in früheren Arbeiten bereits immer wieder eine Rolle spielten. Doch hier rückten sie noch näher an meine eigene Biografie heran. Die Installation war nicht nur künstlerische Inszenierung, sondern auch ein Versuch, etwas abzuschließen, etwas auszustellen, das lange innerlich gearbeitet hatte.

Bis zuletzt blieb die Frage offen, ob ich diese Arbeit wirklich zeigen kann. Ob sie zu persönlich ist. Ob sie zu viel preisgibt. Ob der Schritt in die Öffentlichkeit gelingt. Für diese Ausstellung schloss ich sogar eine Rücktrittsversicherung ab – aus der sehr realen Möglichkeit heraus, kurz vor der Präsentation doch nicht den Mut zu finden, die Arbeit öffentlich zu zeigen.

Viele Besucher reagierten intensiv, blieben lange vor der Installation stehen, sprachen miteinander, blickten in die Toybox und versuchten einzuordnen, was sie sahen. Ich stellte mich immer wieder in die Menschenmenge und beobachtete, wie die Arbeit auf die Besucher wirkte, was sie sagten, wie sie schauten, wo sie zögerten und wo sie länger verweilten.

Besonders eindrücklich war für mich, dass ich durch meine künstlerische Handschrift wiedererkannt wurde. Nicht einfach nur einzelne Arbeiten, sondern ich als Künstler wurde von einigen Besuchern eingeordnet. Da sagte jemand zu seiner Begleitung: „Ah, das ist der mit den rot-weißen Figuren.“ Oder: „Das ist der mit den Raben.“ Andere erinnerten sich an „Hope“ oder an meine frühere Rauminszenierung mit dem Beichtstuhl auf der Discovery Art Fair.

Dieses Wiedererkennen war eine besondere Erfahrung. Es zeigte mir, dass sich über die Jahre eine eigene Bildsprache entwickelt hat, die nicht erklärt werden muss, um wahrgenommen zu werden. Eine Handschrift, die Spuren hinterlässt.

Auch der zeitliche Zusammenhang verstärkte dieses Gefühl. Die Ausstellung fand im April statt. Kurz darauf teilte mir meine Psychologin mit, dass sie ihre Praxis schließen wird. Damit fand auch die Therapie, die viele Jahre Teil dieses inneren Prozesses war, auf eine eigene Weise einen Abschluss. Nicht geplant, nicht inszeniert, aber dennoch passend zu diesem Gefühl, dass mit dieser Arbeit etwas zu Ende geht und zugleich etwas Neues beginnen könnte.

„Kinderland ist abgebrannt“ ist deshalb nicht nur eine Installation über Kindheit. Es ist eine Arbeit über Erinnerung, Mut, Scham, Blick, Kontrolle, Verlust und die Möglichkeit, sich selbst aus den Trümmern eines inneren Ortes heraus neu zu betrachten.